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墨子“义”探微
徐华
有关“义”的论述，是墨子思想学说体系的一个重要组成部分。纵览《墨子》全书，“义”是贯穿其间的一条主线。
墨子所讲的“义”，归结起来，有两方面的含义：一是“义行”，二是“义政”。所谓“义行”，首先便是尊重和爱护他人劳动果实，杜绝任何不劳而获、非法攫取的企图；同时，作为个体，还应积极履行自身所承担的社会责任与义务，“有力者疾以助人，有财者勉以分人，有道者劝以教人”。所谓“义政”，就是要“爱民”、“利民”，想百姓之所想，急百姓之所急，“天下贫，则从事乎富之；人民寡，则从事乎众之；众而乱，则从事乎治之”。在墨子看来，这既是为政者的职责所系，也是判断其得失成败的标准。
可见，墨子倡导的“义”，内涵相当丰富，不仅是为人处世的准绳，同时也是执政治国的理念。墨子的十大主张，几乎都是以此为底蕴展开的。墨子认为，平常之中处处皆可“见义”、“行义”，走在路上看到有人背不动米而及时伸出援手是“义”；以天下苍生的福祉为追求，孜孜不倦、勤勉行政，从而令“饥者得食，寒者得衣，乱者得治”，人民安居乐业，则更是“义”。因此，不能因为“义”小而轻视不为，也不能因为在行“义”的过程中遇到种种困难便畏缩退却。
墨子还分析了当时社会“少义”甚至“无义”的主要原因：一是不愿，二是不能，三是示范群体的集体缺位和失范。在《贵义》篇里，墨子就曾严厉批评了当时那些所谓的“知识精英”们“坐而言义，无关梁之难，盗贼之危……然而不为”的消极态度，谴责了为政者为了满足一己私欲不惜置天下人于水火之中的恶劣行径，呼吁他们改弦更张，多为百姓着想，为国家、为社会“不扣而鸣”。
针对上述问题，墨子提出了四条解决办法和思路：首先是使人们明白“爱人者人亦从而爱之，利人者人亦从而利之；恶人者人亦从而恶之，害人者人亦从而害之”的道理，充分认识到“行义”乃是“两全”之举：今天别人有了难处，你去热情帮助，明天倘若你遇到了困难，别人不也会如此吗？只有将心比心、相互扶持，大家才能共渡危急、共襄前行。其次是建立健全相关制度，“举公义，辟私怨”，使善者能真正得赏——“举而上之，富而贵之”，恶者终得其罚——“抑而废之，贫而贱之”，藉此鼓励和促进人们“向义”、“践义”，自觉地以“义”为贤、以“义”相亲、唯“义”是尊，并对“不义”者产生震慑效应。再次是示范群体自身应率先垂范、树立榜样。墨子所以“非乐”，不是因为他不知道欣赏歌舞能使人感到愉悦和舒适，而是认为在当时财用不足、民生维艰的情况下，为政者却只顾自己寻欢作乐，这样的行为，是其该做的吗？所谓“义者，正也”，如果连最高权力者自己都不能“行义”，反倒经常地“毁义”、“害义”，那又如何教民众去“为义”呢？最后，就是各尽其能、同心协力，“然后义事成也”。
总之，墨子对于“义”寄予了很高的期望，认为它是“天下之良宝”，是达成其所希冀的“大不攻小，强不侮弱，众不贼寡，诈不欺愚，贵不傲贱，富不骄贫，壮不夺老”、“刑政治，万民和，国家富，财用足，百姓皆得暖衣饱食，便宁无忧”的美好愿景的基本前提与必要条件。墨子关于“义”的学说，与儒家“义”的学说相比，其特色更加突出，内涵更加丰富，实践性也更强。它对后世也产生了深远的影响，值得我们在构建和谐社会的过程中深入发掘并加以借鉴。（有删节）
下列关于墨子“义”的思想的表述，不符合原文意思的一项是（）

A．“义”的论述是贯穿《墨子》全书的一条主线，它包含两方面的含义：“义行”和“义政”。

B．墨子提倡尊重和爱护他人的劳动果实，社会成员应通过努力获取利益，反对坐享其成、不劳而获；同时尽己所能承担自己的社会责任和义务。

C．为政者应爱民利民，使百姓生活富足、安宁；这不仅是为政者职责之所在，也是评判其成功的标准。

D．墨子认为不能因“义”小而不为，也不能因为在行“义”的过程中遇到困难便停止；因此，生活中时时处处可“见义”“行义”。

下列不符合墨子倡导的“义”的行为的一项是（）

A．尊重和爱护他人劳动果实，任何人都应该亲自参加劳动，自食其力，消灭好逸恶劳思想。

B．每个人都应积极履行自身所承担的社会责任与义务，乐于助人，经济上共同富裕，文化道德上共同提高。

C．统治者要“爱民”、“利民”，满足人民的所有愿望，及时解决人民的困难，大力发展经济，休养生息，让百姓富裕，社会安定太平。

D．统治者以天下百姓的福祉为追求，孜孜不倦，勤勉行政，让人民安居乐业。

下列不属于墨子用来解决社会“不义”甚至“无义”的办法和思路的一项是（）

A．提高认识，要让人们明白“行义”可以双赢，要设身处地为他人着想，相互扶持，共渡难关。

B．加强制度建设，激浊扬清。一方面要让“行义”者得到经济和官职等现实奖赏，促进人们“向义”、“践义”、亲义、尊义，同时也要让不义者得到严厉的惩罚，达到震慑目的。

C．最高统治者率先垂范，树立榜样，勤俭节约，带头不欣赏歌舞，寻欢作乐，追求享受。

D．每个人都发挥自己的长处，尽一份力所能及的力量，相互帮助，同心协力。

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熊庆来:像数学一样一丝不苟
①熊庆来（1893—1969），云南省弥勒县人，数学家，教育家，曾任教清华大学，后任云南大学校长。
②在关于熊庆来的文献中，被广为提及的事情只有一件：他对学生华罗庚的知遇。时任清华大学数学系主任的熊庆来，凭着对一篇数学论文的赏识，便决定聘请只有初中文凭、在乡下小店做店员的华罗庚。
③这件事情如此著名，几乎掩盖了熊庆来的其他生平。在他曾经执掌的云南大学，曾有学生在对华罗庚表达景仰的同时却问道：熊庆来是谁？
④这名世界函数数学领域的大师、中国数学从无到有的见证者，在被公认为“中国近代数学先驱”多年以后，被人遗忘。
⑤其实，熊庆来爱惜人才，早有名望，不少穷苦学生都曾受他资助。在云南教书的时候，他常寄钱给在法国留学的中国学生严济慈，即使是自己没有钱的时候，也要托妻子去把一件皮袍子典当，换钱寄去。
⑥熊庆来教授学生，十分认真，连批改作业也一丝不苟。用毛笔红字将作业中的错误仔细地逐本圈阅，改正。碰到好的作业，则大笔一挥，写个“善”字，一脸满意。
⑦可以与“当时英才聚于一堂”，是他自认为平生最幸运的事情。即使在任校长的最忙碌之时，他也要每周亲自为学生上几节课。而每到年节，他常把单身教员请到家里吃饭。
⑧即使到不能教学的时候，他也要想办法把教授和学生们叫到自己家里来，办起现场讨论班。
⑨儿子熊秉明回忆，父亲熊庆来“平实诚笃”，他举止言谈缓慢而持重，不善词令，生活恬淡，与一切娱乐和享受都无缘。
⑩不过，恬淡也分场合。在一次讨论会上，他曾就学生要不要参加运动的问题，和闻一多意见发生碰撞。这个搞数学的人显然不懂政治。他坚持认为，要救中国的积弱，学校师生就应“每人守住他的学术岗任，兢兢业业地去做，而不应当驰心于学术以外的事物”。
⑪碰到该坚持的事情，这位总是一脸和气的数学家，总是显示出他的刚硬来。有人评论，他的这个特性，正如他所爱的数学一样，一丝不苟。
⑫比如学术独立，是熊庆来一贯的坚持。在担任云南大学校长前，他和当地官员约法三章，第一条就是“校务行政省政府不加干予”，学生入学须经考试录取，不能凭条子介绍。
⑬再比如，主持校务多年，熊庆来十分重视清廉。每年新生考试前，不少人托人情，送礼，他都原物退还。有一年，熊庆来赴法国，向教育部申请了1万美金的款项，准备为云南大学添购数学书籍。不料后来因云南大学解散，他也就此留在美国，生活非常拮据，他却始终没有动用这笔款项一分钱。直到几年后，一位在法进修的云大医学院毕业生回国，他才把这笔钱所购得的图书交给学生，转交云大。
⑭校长工作繁忙，熊庆来经常顾不上回家吃饭，有时候需要打电话连叫三四次。然而他却不肯放下自己手头的学术工作。他的数学论文，常常修改三五遍以上。有时候，熊庆来本已经上床躺下，却忽然想到文章中写错了一个字母，担心第二天会忘掉，便连忙穿好衣服，起来修改，这才放心入睡。
⑮等到年纪大了，他因为脑溢血而半身不遂，右手不能写字。为了工作，他开始练习用左手写字。就用这只半残的左手，他整整写了20年的研究论文。碰到撰写外文稿，他只能缓慢地用左手一个字母一个字母地打字。有一半以上的论文就是这样写成的。
（选自《中国青年报》，有删改）
下列对文章有关内容的分析和概括，恰当的两项是（）

A．本文语言典雅华丽，从不同方面突出了熊庆来先生一丝不苟的工作态度和辉煌丰硕的学术成果。

B．熊庆来先生爱才惜才早有名望，华罗庚、严济慈等一大批优秀人才都曾得到过他的大力资助。

C．熊庆来先生教学认真负责，对学生的作业批改仔细，一旦发现错误，就一一圈出，并加以改正。

D．熊庆来先生对自己认为正确的事就坚持到底，从不妥协，办事讲原则，不徇私情，廉洁自律。

E．熊庆来先生对学术研究一向执着，一丝不苟，才思敏捷，撰写学术论文一挥而就，能达到文不加点的境界。
本文从哪些方面突出了熊庆来先生“一丝不苟”的精神？请结合文本概括并分析。

本文最后一自然段有何作用？请简要分析。

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中国诗歌自身的调节功能
中国诗歌之所以能历久而不衰，一个重要的原因是它本身有一种调节功能，其语言形式处在不断变化的过程之中。从四言到五言到七言，随着汉语的发展变化而不断形成新的节奏。二二节奏的四言诗是诗歌的早期形式，随着《诗经》时代的结束而趋于僵化。此后的四言诗，如曹操《短歌行》那样的佳作实在不多。中国诗歌主要的形式是二三节奏的五言和四三节奏的七言。四言诗一句分成均等的两半，节奏呆板。五七言前后相差一个音节，寓变化于整齐之中，节奏活泼。所以五七言取代了四言而成为中国诗歌的主要形式。为什么七言没有继续加长，发展为九言呢?我想这是因为一句诗七个音节已经达到读起来不至于呼吸急促的最大限度，加长到九言读起来呼吸急促。这样的诗行不容易建立起来。
在音节变化的同时，格律也在逐渐严密化。中国诗歌是从自由体（古诗）走向格律体（近体诗），但格律体确立之后自由体仍不衰退，而是和格律体并存着，各有其特长。就一个诗人来说固然有的擅长自由体，有的擅长格律体，但两方面的训练都是具备的。在自由体与格律体之间始终没有分成派别。它们互相补充又各擅其能，共同促使中国诗歌的繁荣发展。
从深层考察，诗歌的发展乃是性情与声色两种因素的交互作用。从重性情到重声色，是中国诗歌史的第一个转变，这个转变发生在晋宋之际，具体地说是在陶谢之间。这恰好也正是近体诗的各种技巧被自觉加以运用的时候。明代的陆时雍说：“诗至于宋，古之终而律之始也。体制一变，便觉声色俱开。谢灵运鬼斧默运，其梓庆之鑢乎？”具体地说，这个转变主要表现在两个方面，即从重写意转到重摹象，从启示性的语言转向写实性的语言。《文心雕龙·明诗篇》说：“俪采百字之偶，争价一句之奇；情必极貌以写物，辞必穷力而追新。”指出了转变后的状况。从陶到谢的转变，反映了两代诗风的嬗迭。正如沈德潜《说诗晬语》所说：“诗至于宋，性情渐隐，声色大开，诗运转关也。”重声色的阶段从南朝的宋延续到初唐，一方面丰富了表现技巧，另一方面也建立起严密的格律，到盛唐，性情与声色完美地统一起来，遂达到了诗歌的高潮。
但是性情与声色的统一毕竟不能维持多久。盛唐半个世纪一过，二者便又开始分离。重性情的，声色不足；求声色的，性情不完。此后二者统一的诗作虽然不少，但能以二者的统一维持一个时代的再也没有了。中国诗歌史总的看来是绚丽多彩的，但其最引人瞩目的顶峰也不过只有这么一个盛唐，半个世纪而已。
下列对中国诗歌自身“调节功能”的理解，正确的一项是（）

A．语言形式的调节功能还体现在格律的逐渐严密化：格律体取代了自由体。

B．其语言形式的调节功能体现在不断形成新的诗句节奏：七言取代了四言成为主流。

C．“调节功能”是指历久不衰的中国诗歌在其发展过程中不断求变的一种特性。

D．调节功能主要体现在性情与声色的交互作用，从而使中国诗歌呈现出不同的风貌。

下列表述不符合原文意思的一项是（）

A．随着人们对《诗经》兴趣的降低，《诗经》的时代结束了，人们由此感觉到二二节奏的四言诗越来越僵化。

B．中国诗歌没有从五言七言发展成九言，是因为一句诗加长到九言读起来呼吸急促，这样的诗行不容易建立起来。

C．明代陆时雍的话和《文心雕龙·明诗篇》可以表明中国诗歌史的第一个转变为“从重性情到重声色”。

D．晋宋之间，诗歌转变主要表现在从重写意到重摹象，从启示性语言转向写实性语言两个方面。

根据原文提供的信息，下列推断正确的一项是（）

A．中国诗歌能历久不衰，是因为人们在诗歌创作中总是保持探索求新的自身调节的状态。

B．中国诗歌的发展是从格律体走向自由体，后来出现各种技巧被自觉运用的重声色的特点也就不足为奇了。

C．古诗与近体诗的长期并存，说明在中国诗歌史上对诗歌语言形式层面的追求意义不大。

D．从诗歌的发展来看，性情与声色两者只要完美统一起来，就能真正成就一个伟大的诗歌时代。

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大梦敦煌六十年
段文杰，1917年生于四川绵阳。曾任敦煌研究院第一任院长,现任名誉院长，是敦煌文物保护研究事业的开创者、杰出代表和享誉国内外的著名敦煌学家。他把毕生的心血和精力都奉献给了敦煌艺术保护研究事业，为这一世界文化遗产的保护研究事业做出了突出贡献。
在莫高窟藏经洞发现百年之际，他被授予“敦煌文物保护研究特殊贡献奖”；2007年8月，在他从事敦煌艺术保护研究60周年和90高龄寿辰的时候，国家文物局和甘肃省政府又为他举办了纪念活动，并授予他“敦煌艺术保护研究终身成就奖”。
从风华正茂的青年，到满头华发的老者，段文杰为自己钟爱的敦煌艺术研究事业倾注了整整60年的心血。对他来说，这60年为莫高窟壁画所做的临摹、保护和研究工作，都只是为了实现他在26岁那年立下的一个理想：要把生命和一切都奉献给敦煌艺术。今天，他可以自豪地说：我做到了！
1944年，国画大师张大千在重庆举办了一场画展――敦煌壁画临摹展。重庆国立艺专国画系26岁的学生段文杰，为了参观这个画展跑了二三十里路。展厅里两百多幅色彩斑斓的敦煌壁画摹本立即深深地吸引了他。回到学校后，“到敦煌去”的声音一直在他的脑海回响，在他心里埋下了敦煌艺术的种子，改变了他一生的命运。
翌年，毕业的段文杰遵循心中的宏愿，义无反顾地向着心中的艺术圣地――敦煌进发。
他这一去，就跟家人离别长达10年。
到达敦煌后，段文杰完全被莫高窟吸引住了，他一头扎进壁画临摹中，忘记了敦煌生活的艰辛。
莫高窟环境、气候恶劣，工作条件十分艰苦。夏天干热高温，冬天风卷黄沙，打得人睁不开眼睛。用的是土桌、土凳，喝的是宕泉河的碱水，没有大米，少有蔬菜，工资不能按时发放，交通也极不便利。莫高窟就像沙漠中的荒岛，三五个月进不了敦煌城是常事。段文杰他们最初的好几年都住在由马厩改造成的简易房间里。和段文杰同来的人中，不久就有因为受不了恶劣的条件而离开的。
但段文杰从来没有动过离开敦煌的念头。从1946年开始，段文杰共临摹各洞窟不同时期的壁画340多幅，面积达140多平方米。这一成绩在敦煌莫高窟个人临摹史上创下了第一。他的代表作之一《都督夫人礼佛图》，原画中人物表情及衣饰都模糊难辨，临摹难度极大。段文杰反复观察考证洞窟中的供养人图像，查阅了大量相关历史资料，并进行了多次实验练习，经过4个月才完成了这幅巨型壁画的临摹。
段文杰的临摹方法与张大千不同。张大千的敦煌壁画临本，随意性较大，带有个人创作的成分；段文杰敬仰张大千，但他主张临本应该忠实于原作。临摹跟翻译一样，都是一种再创作，要想在临摹作品中传达出古人的精神，并不比创作容易。他主张，临摹一要客观忠实地再现原作面貌；二要传神，即在精细的基础上突出原作总体神韵；三是绘画技巧不能低于原作水平。这些由他在二十世纪五十年代提出的方法，至今仍然是敦煌壁画临摹的指导原则。
1947年和1948年，段文杰他们对莫高窟洞窟进行了一次全面的编号、测量和内容调查，他们做的洞窟编号被认为是最完整和科学的，至今仍在沿用。
历时3年的莫高窟第285窟临摹，是段文杰主持的敦煌壁画临摹史上第一座整窟原大壁画现状临摹。1955年国庆节，敦煌壁画临品在北京故宫展出，以285窟原大临本模型、大量巨幅临本、精美的图案为三大亮点，引起轰动。
曾与段文杰共事近40年的敦煌研究院美术研究所前所长关友惠说：“段文杰从1946年开始就带领大家进行临摹，他制定的临摹方法一直是我们临摹敦煌壁画的指导原则，他个人在敦煌壁画临摹史上也创立了多个第一，他是我们敦煌壁画临摹工作当之无愧的领路人。”
在进行敦煌壁画临摹的同时，段文杰开始了敦煌学的研究。他的研究是从莫高窟壁画人物服饰开始的。
上世纪60年代初，他在临摹壁画中，为复原一幅唐代壁画，查阅了百余种有关古代服饰的文献资料，通读了二十四史中的《舆服志》，摘录了两千多张卡片，为他以后进行敦煌服饰研究打下了基础。后来，他写出了《敦煌服饰》这一重要学术专著，丰富了我国古代服饰研究的内容。解放后一直致力于历代服饰研究的沈从文，还不辞路远专门拜访过段文杰，与他探讨敦煌壁画服饰研究的问题。
对敦煌艺术的起源历来有“西来说”和“东来说”两种观点。段文杰通过研究，认为这两种观点各持一端，都失之偏颇。他认为敦煌艺术是在深厚的汉晋文化传统的基础上，大量吸收外来艺术的营养而成长起来的中国式的佛教艺术。这一研究成果,得到了国内外敦煌学学界的重视和肯定，为后继研究者打开敦煌石窟艺术的奥秘提供了一把钥匙。
今天，在全国敦煌学者共同努力下，中国的敦煌学研究走到了世界前列，彻底改变了“敦煌在中国，敦煌学在外国”的局面。但段文杰仍谦虚地说：“敦煌在中国，敦煌学在世界。”
敦煌莫高窟，是段文杰的大梦，是他的梦想栖身的地方。
（选自《大梦敦煌六十年》，有删改）
文中划线处引用了敦煌研究院美术研究所前所长关友惠的话，有什么作用？
从文章看，段文杰在对敦煌艺术的保护及研究中取得了哪些具体成就？
根据文章内容来看，段文杰拥有哪些优秀品质？请结合文章简要分析并针对其中一个方面谈谈自己的感受。

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对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实、看得懂的。
但如果是粗放的、写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想，产生共鸣。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不能简单以“像”或“不像”来衡量。
就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味、构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们追求达到的目标。
当然，一般人要从画中去体验到一种“神韵”并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。
审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、生活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。
（来自：中华书画网，有删改）
下列关于传统的讲“故事”的欣赏方法的表述，不正确的一项是（）

A．传统的讲“故事”的方法欣赏绘画作品的步骤是了解绘画作品画的是什么,像不像,寓意是什么。

B．工笔的、写实的中国画作品因其具体、真实,所以用传统的讲“故事”的方法来欣赏就看得懂。

C．写意的作品因其不写实,形象不具体,用传统方法就难以看懂,所以就无从知道作者的寓意。

D．因为部分绘画作品画得像,看得明白,容易引起联想，产生共鸣,所以,一般人常常愿意采用这种方法欣赏绘画。

下列理解和分析，不符合原文意思的一项是（）

A．能抓住观赏者的心弦,给观赏者以充分的艺术审美享受,并从中获得某种启迪和教育的绘画作品就是好的绘画作品。

B．因为像与不像不能作为衡量绘画作品的好坏或欣赏的标准,所以,像与不像仅仅只能作为绘画作品达到目的的手段。

C．中国画家们常常追求达到的目标是“神韵”,它是一种高的艺术审美享受,因此内行画家们采用抓“神韵”的欣赏方法看画。

D．一般人如果能从审美感知、审美理解和审美创造三个阶段去欣赏绘画作品,就可能更能理解绘画作品的神韵。

根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（）

A．就国画而言，需综合考量它的“神似”、“形似”及它的笔墨趣味、构图、着色、笔力等，方可正确欣赏国画的神韵寓意。

B．只要具备一定的审美能力、艺术修养和一定的绘画方面的基本知识,就能体验到绘画作品中的“神韵”。

C．传统的讲“故事”的方法因往往借助“文学性”的描述而存在局限，所以并不适用于欣赏所有的绘画作品。

D．只有在对绘画作品审美的基础上创造出新的意象,欣赏者才真正获得了启迪和教育,欣赏绘画才获得了新的意义。